Né le 24 mai 1965 à Chicago, John Christopher Reilly commence le théâtre à 8 ans. Grand spécialiste des seconds rôles, on peut avoir du mal à retenir le nom de cet acteur à l’air gentil, malgré une filmographie prestigieuse.

C’est Brian de Palma qui lui offre son premier rôle au cinéma, en 1989 dans Outrages. Le réalisateur l’avait engagé pour un rôle moins important, mais John C. Reilly l’a impressionné et il a changé d’avis. C’est sur ce film qu’il rencontre la femme qu’il épouse en 1992, la productrice Alison Dickey. Son rôle de complice de Sean Penn lui permet de se faire remarquer, et c’est le début de nombreuses collaborations avec les plus grands.

Il tourne ainsi avec Tony Scott dans Jours de tonnerre (1990), Woody Allen dans Ombres et Brouillard (1992), Lasse Hallström dans Gilbert Grape (1993), Curtis Hanson dans La Rivière Sauvage (1994), Terrence Malick dans un autre film de guerre avec Sean Penn, La Ligne Rouge (1998) ou encore Sam Raimi dans Pour l’amour du jeu (1999).

Dans les années 2000, sa réputation n’est plus à faire et il enchaîne les rôles, notamment pour Wolfgang Petersen dans En pleine tempête (2000), Martin Scorsese dans Gangs of New York (2002) et Aviator (2004), Rob Marshall dans Chicago (2002), Stephen Daldry dans The Hours (2002), Robert Altman dans The Last Show (2006) et enfin Roman Polanski dans Carnage (2011).

Il est aussi à l’affiche de la plupart des films de Paul Thomas Anderson. On le retrouve en parieur compulsif dans Hard Eight (1996), en star du porno prenant Mark Wahlberg sous son aile dans Boogie Nights (1997) et en policier sensible Magnolia (1999).

2003 est l’année de la consécration : non seulement il est nominé pour l’Oscar et le Golden Globe du meilleur second rôle masculin pour celui d’Amos Hart/Mr Cellophane, mari malheureux de Renée Zellweger dans Chicago, mais il est à l’affiche de trois films sélectionnés pour l’Oscar du Meilleur film : Chicago, Gangs of New York et The Hours.

C’est aussi l’année qui marque le début de sa collaboration avec Miguel Arteta qui le fera tourner 3 fois : The Good Girl (2003), Are you the favorite person of anybody ? (2005) et Bienvenue à Cedar Rapids (2011).

Mais John C. Reilly est aussi un vrai acteur comique, ce qu’il prouve à de nombreuses reprises, et notamment dans les films du duo Will Ferrell-Adam McKay (qui font aussi partie de la Frat Pack) : Ricky Bobby, Roi du Circuit (2006) et Frangins Malgré eux (2008). Il joue aussi un éternel célibataire dans Cyrus aux côtés de Marisa Tomei et sera à l’affiche de The Dictator, prochain film de Sacha Baron Cohen dont la sortie est prévue pour 2012.

Il apparaît à la fin de l’épisode 18 de la saison 19 des Simpsons, Lisa fait son festival. Il demande à être dans le prochain film du Principal Skinner et ne cesse de parler de lui à la troisième personne. Jim Jarmusch est aussi au générique de cet épisode.

Réalisateur, producteur et scénariste américain né le 22 février 1944 à Long Island, Jonathan Demme commence par s’occuper des relations de presse pour United Artists tout en écrivant des critiques de films, puis réalise ses deux premiers films au milieu des années 70 : Cinq femmes à abattre et Crazy Mama, qui compteront parmi les plus grands succès de la New World. Mais ce ne sera que 10 ans plus tard que la consécration arrivera réellement, avec Dangereuse sous tous rapports (1986), un thriller mettant en scènes Melanie Griffith, Jeff Daniels et Ray Liotta. En 1991, la carrière de Jonhatan Demme prend un nouveau tournant. Il adapte Le Silence des agneaux, du deuxième tome de la trilogie Hannibal Lecter de Thomas Harris avec Anthony Hopkins dans le rôle-titre et Jodie Foster dans le rôle de l’attirante policière. Le film remporte 5 Oscar, dont celui de meilleur film, de meilleur réalisateur et de meilleur acteur et de meilleure actrice pour Anthony Hopkins et Jodie Foster. Ce sera d’ailleurs une des marques de fabrique du réalisateur : il a dirigé 8 acteurs nominés aux Oscar pour leur performance dans ses films : Mary Steenburgen (récompensée du prix du Meilleure second rôle pour Melvin and Howard), Jason Robards (Meilleur second rôle pour le même film), Christine Lahti (Meilleur second rôle pour Swing Switf), Dean Stockwell (Meilleur second rôle pour Veuve mais pas trop), Anthony Hopkins et Jodie Foster, Tom Hanks (reconnu Meilleur acteur pour Philadelphia) et Anne Hathaway (Meilleure actrice pour Rachel se marie).

Changement de registre deux ans plus tard avec le drame Philadelphia, qui aborde la question du sida en opposant Tom Hanks à Denzel Washington. En 2000, il est membre du Jury du Festival de Cannes. Puis, il tourne un remake de Charade intitulé La Vérité sur Charlie, puis revient au thriller avec Un Crime dans le Tête. En 2008, il nous invite à une étrange réunion de famille, filmé comme un film dogme avec Rachel se marie (présenté à Venise).

En plus de ses films de fiction, il est aussi l’auteur de nombreux documentaires qui reflètent son combat pour les droits de l’homme (The Agronomist ou Man from Plains) et sa passion pour la musique (Neil Young, Stop Making Sense et Marley).

Fidèle camarade, il offre souvent des petits rôles à Charles Napier (Un Crime dans la tête, Le Silence des agneaux, Beloved, Philadelphia, Veuve mais pas trop, Dangereuse sous tous rapports), Tracey Walter (Un Crime dans la tête, Beloved, Philadelphia, Le Silence des agneaux, Veuve mais pas trop, Dangereuse sous tous rapports), Paul Lazar (Le Silence des agneaux, Philadelphia, Un Crime dans la tête, Rachel se marie, Beloved, Veuve mais pas trop), Ted Levine (Le Silence des agneaux, Un Crime dans la tête, La Vérité sur Charlie), Harry Northup (Le Silence des agneaux, Un Crime dans la tête, Beloved, Philadelphia, Crazy Mama, qui a aussi beaucoup travaillé avec Martin Scorsese à ses débuts) et Robert Castel (Rachel se marie, Un Crime dans la tête, La Vérité sur Charlie, Beloved, Philadelphia).

Ses personnages regardent souvent directement la caméra et il aime mettre des chansons de New Order dans ses musiques de film. Il est l’oncle du réalisateur Ted Demme (Blow).

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Clinton Elias Eastwood Jr est né le 31 mai 1930 à San Francisco. Sa mère collectionne les disques de jazz et son père joue dans la guitare et chante dans un groupe, Clint lui-même prendra des cours de clarinette et de piano. Au cours de son enfance, il apprend à monter à cheval lors des vacances chez sa grand-mère, installée à la campagne. Suite à ses deux années de service militaire (pendant lesquelles il rencontre Maggie, qu’il épouse en 1953), des rencontres et son physique impressionnant lui permettent de travailler chez Universal. Sa première apparition date de 1955, dans La Revanche de la créature. Il enchaîne ensuite les petits rôles, et c’est finalement par le biais de la télévision que son ascension débutera grâce à son rôle de cow-boy dans le feuilleton Rawhide. Mais c’est Sergio Leone qui le rend vraiment populaire avec la trilogie de l’Homme sans nom : Pour une poignée de dollars, Et pour quelques dollars de plus et Le Bon, la Brute et le Truand. Il porte d’ailleurs le même poncho (qui, selon la légende, n’a jamais été nettoyé) dans les trois films. Pourtant, Pour une poignée de dollars n’était pas un projet sans risque : Leone n’était pas encore connu,  Eastwood avait commencé par refuser de lire le scénario à cause du faible montant du cachet et aucun distributeur ne voulait le distribuer. De plus, il trouvait le scénario trop bavard et ne se priva pas d'amputer les dialogues. C’est finalement grâce à son succès en Italie que le film sortira aux Etats-Unis et sera le succès surprise de l’année. Clint Eastwood profite de cette notoriété pour monter sa maison de production, Malpaso Production et pour établir sa formule personnelle du héros : laconique, cool et décontracté, mais impitoyable et revanchard, sorti de nul part, n'allant nul part, sans passé et sans avenir. Sa première production est Pendez-les haut et court, qu’il demande à son ami Ted Post de réaliser. C’est un succès public et critique. En 1968, la famille s’agrandit avec l’arrivée de Kyle, mais Clint est peu présent car il doit faire face à des obligations professionnelles. Il rencontre Don Siegel qui devient un ami, et leur collaboration donne naissance à cinq films : Un Shérif à New York, Sierra Torride, Les Proies, L’Inspecteur Harry (énorme succès au box office, ce personnage critiqué pour son immoralité deviendra le héros d'une saga de cinq films) et L’Evadé d’Alcatraz. Eastwood se spécialise dans les westerns et les films policiers, et passe dernière la caméra à l’occasion d’Un Frisson dans la nuit en 1971. Il délaisse ce projet plusieurs semaines car son père meurt d’une crise cardiaque pendant le tournage. La sortie du film sera l’occasion d’une première rétrospective consacrée à l’acteur-réalisateur à San Francisco et sa consécration de « star du cinéma la plus populaire du monde » par Life.  En 1972, sa femme met au monde leur deuxième enfant, Alison (que l’on peut apercevoir en 1984 dans La Corde raide puis en 1996 dans Les Pleins Pouvoirs). Et l'année suivante il remplace au pied levé Charlton Heston, coincé dans les embouteillages, en tant que maître de la cérémonie des Oscars. Son premier film sera suivi de nombreux autres, parmi lesquels L’Homme des hautes plaines, Josey Wales, Hors-la-loi (qui devait initialement être réalisé par Philip Kaufman, mais Eastwood reprend les commandes après l’avoir renvoyé) ou encore Honkytonk man avec son fils Kyle. L’année 1984 est celle de tous les honneurs : Clint Eastwood fait la couverture du New York Times, une rétrospective de vingt-quatre de ses films est organisée à la cinémathèque française, il est nommé « Chevalier des arts et des lettres », et est à l’honneur lors d’une autre rétrospective au Filmmuseum de Munich. Deux ans plus tard, c’est en politique qu’il s’illustre, ayant été élu maire de Carmel sous l’étiquette républicaine. Passionné de jazz depuis l’enfance, Eastwood se lance dans le biopic de Charlie Parker, pour lequel il se contente de réaliser pour la deuxième fois de sa carrière. Le film est sélectionné au 41^ème Festival de Cannes et Forest Whitaker reçoit le prix d’interprétation masculine. Dès 1991, Eastwood travaille sur un nouveau projet, Impitoyable, considéré comme son dernier western. Le film (dédié à Sergio [Leone] et Don [Siegel] décédé cette année-là) offre à ses partenaires Morgan Freeman, Richard Harris, Saul Rubinek et Gene Hackman des rôles presque aussi importants que le sien. C’est à cette occasion qu’il commence à composer la musique de ses films. Impitoyable remporte quatre Oscar sur neuf nominations, dont ceux du Meilleur film et du Meilleur réalisateur, ce à quoi s’ajoute le Golden Globe du Meilleur réalisateur qu’il avait déjà obtenu pour Bird. A 65 ans, c’est la consécration de sa carrière de metteur en scène et un véritable succès public qui l'a éberlué. Il dit à ce propos : "Je n'ai jamais essayé de faire la cour au public. Tu dois oublier le type devant l'écran en train de se bâfrer de pop-corn et de M&M's. Je me suis dit que ceux qui auraient envie de voir le film le verraient, et que les autres pouvaient aller se faire foutre." Les honneurs continuent et, en 1994, il est le Président du Jury du Festival de Cannes qui récompense Pulp Fiction (qui n’avait pourtant pas sa préférence), et reçoit la médaille de Commandeur des Arts et des Lettres. Continuant à jouer dans ses propres films, il séduit Meryl Streep Sur la route de Madison dont il compose aussi le thème, qui se placera en tête des ventes de disques de jazz et permet la création du label Malpaso Records. Il refuse ensuite le rôle principal d’Un Monde parfait au profit de Kevin Costner, qui accepte à condition de jouer face à lui, et ironise sur l’âge aux côtés de Tommy Lee Jones, Donald Sutherland et James Garner dans Space Cowboys. En 1998, il reçoit un César d’honneur pour l’ensemble de sa carrière des mains de Jean-Luc Godard et en 2000 un Lion d’or équivalent au cours de la Mostra de Venise. A partir de 2003, il montre l’étendue de son talent et son éclectisme avec Mystic River (avec Sean Penn, Tim Robbins et Kevin Bacon, projeté au Festival de Cannes et nommé six fois aux Oscar), Million Dollar Baby (nominé sept fois aux Oscar, il remporte une nouvelle fois ceux du Meilleur film et du Meilleur réalisateur, ainsi que le Golden Globe du Meilleur réalisateur), le diptyque sur la bataille d’Iwo Jima (Mémoires de nos pères et Lettres d’Iwo Jima), L’Echange (de nouveau présenté à Cannes, sous la présidence de Sean Penn, qui lui attribue ainsi qu’à Catherine Deneuve (qui avait co-présidé avec lui le Jury du Festival en 1994) un prix inventé pour l’occasion : le Prix du 61^ème Festival de Cannes) et Gran Torino. C’est Kyle Eastwood, finalement devenu musicien, qui compose la musique de ce qui est annoncé comme le dernier rôle de Clint à l’écran. Le film reçoit le César du Meilleur film étranger (qu’Eastwood reçoit pour la troisième fois après Mystic River et Million Dollar Baby) et la Palme des Palmes du Festival de Cannes. En 2009, il retrouve son complice Morgan Freeman (dans le rôle de Nelson Mandela) pour la troisième fois avec Invicus et enchaîne directement avec le tournage de Au-delà, dont le tournage se déroule en France, en Angleterre et aux Etats Unis, avec Matt Damon, Cécile de France et Bryce Dallas Howard au casting. Ce séjour lui permet d’assister à la première édition du Festival Lumière organisée par Thierry Frémaux, dont il est l’invité d’honneur. 2011 marque la première collaboration de Eastwood avec Leonardo DiCaprio à l'occasion de J. Edgar, biopic sur J. Edgar Hoover, le premier directeur du FBI.

Clint Eastwood a été marié deux fois, avec Maggie (1953 – 1984) et Dina (depuis 1996). Il a sept enfants de cinq femmes différentes : Kimber (1946 avec Roxanne Tunis), Kyle, Alison (1968 et 1972 avec Maggie), Scott et Kathryn (1986 et 1988 avec Jacelyn Reeves), Francesca (1993 avec Frances Fisher) et Morgan née en 1996, avec Dina. Il a aussi vécu avec Sondra Locke pendant 14 ans, et, à défaut d’enfant, ils ont partagé l’affiche de six films : Josey Wales, Hors-la-loi, Doux, Dur et Dingue, L’Epreuve de force, Ça va cogner, Bronco Billy et Sudden Impact - Le Retour de l’Inspecteur Harry. Frances Fisher apparaît elle aussi dans trois de ses films : Pink Cadillac, Impitoyable et Jugé coupable.

Plus fidèle professionnellement que sur le plan personnel, nombre de ses collaborateurs travaillent avec lui depuis plusieurs décennies. Lorsqu'il décide que ses employés sont aptes à remplir leur tâche, il les laisse tranquilles et se fie à leur jugement. Cette confiance lui fait gagner un temps précieux sur les tournages. Ainsi, Gleen Wright est sa costumière depuis Rawhide (1959-1966), Edward Aiona est son chef accessoiriste depuis Magnum Force en 1973, Joel Cox est son monteur depuis L'Inspecteur ne renonce jamais en 1976, Tom Stern est son chef électricien depuis Honkytonk Man en 1982, David Valdes est son co-producteur depuis Pale Rider en 1985 et Jack N. Green est son directeur photo depuis Le Maître de Guerre en 1986.

Il a dirigé deux des quatre acteurs récompensés aux Oscar deux années consécutives : Sean Penn et Tim Robbins (Meilleur acteur et Meilleur second rôle dans Mystic River) en 2004 et Hilary Swank et Morgan Freeman (Meilleure actrice et Meilleur second rôle dans Million Dollar Baby) en 2005. Lui-même (bien que couronné deux fois de l'Oscar du Meilleur réalisateur) est très philosophe à propos de ces récompenses : "J'imagine que quand je serai très vieux, un type des Oscar aura la grande idée de me remettre une espèce de plaque. Je serai si décati qu'ils devront me hisser jusqu'à la scène... Je tiens à tous vous remercier pour cet Oscar d'honneur, et couic. Adieu, Inspecteur Harry."

Ses films sont caractéristiques sur plusieurs points. Au niveau formel, il aime jouer sur les ombres et lumières car il associe la surexposition à la télévision, et le générique de fin se déroule fréquemment sur un plan d’ensemble de l’endroit ou le film a été tourné. Au niveau scénaristique, ses personnages principaux sont souvent discrets sur un passé souvent sombre qu’ils préfèrent oublier. Ils éprouvent d’ailleurs des regrets face à leurs erreurs et voient une occasion de se racheter (Impitoyable, Dans la ligne de mire, Million Dollar Baby, Gran Torino). Il a un goût prononcé pour les histoires insistant sur la distance entre la vérité et la mythologie (Chasseur blanc, cœur noir, Impitoyable, Mémoires de nos pères…), et particulièrement sur l'écart entre réalité et mythologie américaine (Dans la ligne de mire, Un Monde parfait). Ses films débutent et/ou s’achèvent souvent par la mort d’un personnage, ce qui lui permet de montrer ses conséquences désastreuses de la violence qu’on lui a tant reproché dans les films qu’il réalise (Impitoyable, Un Monde parfait, Les Pleins Pouvoirs, Mystic River, Million Dollar Baby, Gran Torino). Enfin, il est amusant de remarquer qu’il arrive fréquemment qu’un de ses personnages se retrouve avec un revolver enrayé ou en manque de munitions. Il aime tourner ses westerns en automne et a une chance légendaire avec la météo : s'il a besoin qu'il neige dans un désert en plein mois de juillet, il neigera. D’autre part, il est connu pour son goût pour la spontanéité et adore les dictons du genre "Plus tu réflechis, plus t'as de chances de tout foutre en l'air", et privilégie les premières prises. Il ne fait pas plus de trois à cinq prises et n'en tire que deux. En conséquence, il termine régulièrement les tournages avec de l’avance, tant sur le calendrier que sur le budget. Frank Wells, président de la Warner Bros dans les années 70 se souvient : "Son moment préféré, c'était le dernier jour du tournage. Il m'appelait pour que je devine de combien il était sous le budget prévisionnel." Cette conception l’a d’ailleurs opposé à Kevin Costner (son confrère dans la catégorie des acteurs reconnus ayant gagné un Oscar pour une réalisation avec Warren Beatty, Robert Redford, Mel Gibson et Richard Attenborough), connu au contraire pour son perfectionnisme, qui a quitté le tournage d’Un monde parfait pour cette raison. Pendant son absence, Eastwood a tourné avec sa doublure pour lui montrer qu’il était le chef et Costner est finalement revenu.

Ses acteurs préférés sont James Cagney (L’enfer est à lui), Gary Cooper, Humphrey Bogart, Robert Mitchum et James Stewart et ses films favoris sont Les 39 marches (Hitchcock), Sergent York (Hawks), L’Etrange incident (Wellman), Qu’elle était verte ma vallée (Ford) et Les Chariots de feu (Hudson).

Clint Eastwood pratique la méditation transcendantale deux fois par jour depuis 1972.

Son nom est utilisé comme titre de la chanson Clint Eastwood de Gorillaz et il est cité dans le générique de L’Homme qui tombe à pic en VO (à 1’36). On l’entend aussi dans Make My Day de T.G. Sheppard, qui, comme son titre l’indique, parle du personnage Dirty Harry, avec la collaboration d’Eastwood himself. On peut aussi l’entendre siffler sur le morceau Big Noise de son fils Kyle, ainsi que dans une des versions de la chanson de la BO de Gran Torino avec Jamie Cullum, l’autre version étant interprétée uniquement par Jamie Cullum. Eastwood a composé la BO de Grace Is Gone (2007) qui lui avait donné l'occasion de travailler une première fois avec Cullum qui interprète la chanson-titre du film.

Il apparaît aussi dans un épisode chantant (épisode 11, saison 9) des Simpson. dans lequel il chante "Paint Your Wagon" (doublé par Dan Castellaneta), soit le titre en VO de son unique film chantant : La Kermesse de l'Ouest et une référence est faite à son personnage de l'Homme sans nom dans la séquence "The Spirit of the West" (doublée par Timothy Olyphant) de Rango.

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Née le 26 mars 1985 à Londres, Keira Knightley n'est pas totalement étrangère au milieu du cinéma : son père est acteur et sa mère est scénariste. Elle débute dans des téléfilms et comme mannequin publicitaire, puis est sélectionnée pour jouer la dame de compagnie de Padmé Amidala (Natalie Portman) grâce à sa ressemblance troublante avec l’actrice dans Star Wars – épisode 1, La Menace fantôme. Mais c’est au début des années 2000 que sa carrière cinématographique est réellement lancée avec The Hole, Joue-là comme Beckham et le rôle d’Elizabeth Swann aux côtés de Johnny Deep, Orlando Bloom et Geoffrey Rush dans les trois opus de Pirates des Caraïbes. Sa carrière est caractérisée par une nette prédilection pour les films d’époque : Le Roi Arthur (avec Clive Owen), Orgueil et Préjugés (rôle pour lequel elle a été nominée à l’Oscar et aux Golden Globes de la meilleure actrice, prix tous deux finalement obtenus par Reese Witherspoon pour Walk The Line), Reviens-moi (dans lequel elle se pâme d’amour pour James McAvoy), The Duchess, Soie, The Edge of Love, A Dangerous Method ou encore Anna Karenine (aux côtés de Jude Law et Saoirse Ronan), adaptation de Tolstoï par Joe Wright qu'elle retrouve donc une troisième fois. Quand ce n’est pas le cas, elle alterne les rôles mettant en avant sa féminité (Love Actually, notamment avec Alan Rickman ou encore Jusqu'à ce que la fin du monde nous sépare) et d’autres nettement plus masculins (Joue-là comme Beckham ou Domino). Ces derniers temps, elle semble se plaire à jouer des rôles de femmes trompées (Soie, Last Night).

Depuis 2006, elle est l’égérie du parfum Coco Mademoiselle. Elle est aussi le sujet de la chanson Star of the Silver Screen du groupe écossais Endrick Brothers.

Elle a été castée pour jouer la sœur de Natalie Portman dans Deux sœurs pour un roi, mais c’est finalement  Scarlett Johansson qui fait face à Eric Bana. Elle devait aussi reprendre le rôle d’Audrey Hepburn dans My Fair Lady, mais abandonnant le projet, c’est Carey Mulligan (avec qui elle partage l'affiche de Never Let Me Go) qui reprend le flambeau.

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Walter Elias Disney est né le 5 décembre 1901 à Chicago. Son père cumule les problèmes financiers et passe du domaine de la construction à celui de l’agriculture pour finalement revenir en ville pour distribuer des journaux. Walt et son frère Roy passent leur temps libre à aider leur père pour arrondir les fins de mois de la famille.

En 1917, la famille retourne à Chicago et Walt s’inscrit au Chicago Art Institute où il apprend les rudiments du dessin. Walt quitte l’école à 16 ans et, obsédé par l’idée de gagner la guerre, falsifie son passeport pour s’engager chez les conducteurs volontaires d’ambulances de la Croix Rouge. Il reste en France jusqu’en 1919. De retour, il s’installe au Kansas, et rencontre Ub Iwerks, jeune animateur de son âge, avec qui il fonde la société Iwerks-Disney Commercial Artists, engagée pour des animations publicitaires pour les cinémas locaux. En 1922, Disney lance la société Laugh-O-Gram qui produit des courts-métrages animés basés sur les contes de fée populaires, dont Alice’s Wonderland qui mélange animation et prises de vue réelles. Il rejoint son frère à Hollywood et monte les Disney Brothers Studio, qui engagent Ub Iwerks. Le studio sera rebaptisé Walt Disney Studio en 1926. La série des Alice Comedies ont un certain succès, mais les productions basculeront vers de l’animation pure avec un chat nommé Julius. En 1925, Walt épouse une de ses employées, Lillian Bounds. Deux ans plus tard, c’est le début d’une nouvelle série mettant en scène Oswald le lapin chanceux qui devient une icône populaire. Comme il est désaccord avec Universal Pictures qui détient les droits d’Oswald, Disney crée un nouveau personnage. Ce sera Mickey Mouse, dont le nom est trouvé par Lillian Disney, et qui fait ses débuts dans Plane Crazy. Ub, Walt et leurs femmes s’occupent seuls de ces nouveaux cartoons. Voyant que le son est à la mode depuis la sortie du Chanteur de Jazz, Disney se lance dans la production de Steamboat Willie, le premier dessin animé avec du son synchronisé. C’est un succès et la naissance de deux autres de ses personnages : Minnie et Pat Hibulaire.

Walt double lui-même Mickey Mouse jusqu’en 1947 et il dépose plusieurs marques pour ne pas avoir de nouveaux problèmes avec les distributeurs. A partir de 1929, aidé du compositeur Carl W. Stalling, Walt crée une nouvelle série de dessins animés musicaux intitulés Silly Symphonies et distribués par Columbia Pictures (disponibles en DVD dans la collection Les Trésors de Walt Disney). La même année, Disney se lance dans les produits dérivés (bloc-notes, poupées, bandes dessinées…) par l’intermédiaire des Walt Disney Entreprises. A partir de l’année suivante, Mickey est le personnage de dessin animé le plus populaire des Etats-Unis et de nombreux studios tentent de l’imiter. Parallèlement, les Silly Symphonies seront l’occasion d’expérimenter de nouvelles techniques, comme le Technicolor, technologie utilisée pour la première fois dans Des Arbres et des fleurs en 1932. Cette année-là, le premier Oscar du meilleur court métrage d’animation récompense ce film, et Walt Disney en reçoit aussi un Oscar d’honneur pour la création de Mickey Mouse. En 1938, ce sera au tour de la caméra multiplane d’être expérimentée à l’occasion du Vieux Moulin (Oscar du meilleur court métrage 1938). Disney lance ensuite des séries autour des personnages de Donald Duck (qui apparaît pour la première fois dans Une Petite Poule avisée largement inspiré du conte La Petite Poule Rousse), Dingo et Pluto. Les Studios s’agrandissent, de nouvelles techniques sont utilisées et les courts métrages sortent à un rythme effréné, sans pour autant permettre à Disney de combler ses dettes. De 1935 à 1937, le studio se consacre à Blanche Neige et les Sept Nains, premier long métrage d’animation en Technicolor, qui occupe tous les animateurs et précipite la disparition des Silly Symphonies. Le succès du film (récompensé d’un Oscar d’honneur pour son innovation, accompagné de 7 petits autres en hommage au conte) permet aux studios de déménager à Burbank à la fin de l’année 1939, alors que l’équipe vient de terminer Pinocchio et s’attaque à Fantasia (primé d’un Oscar d’honneur pour sa contribution à l’avancée de l’utilisation du son dans un film), Dumbo et Bambi (récompensé d’un Golden Globe d’honneur en 1948). Ces films ont du succès, mais leurs recettes sont faibles du fait de la Seconde Guerre mondiale et de l’effort de guerre. Dans les années 50, Disney retrouve assez d’argent et produit Cendrillon (Prix spécial à la Mostra de Venise), Alice au Pays des Merveilles, Peter Pan (deux films dont il trouve que les personnages principaux manquent de cœur et de chaleur), La Belle et le Clochard, La Belle au Bois Dormant et les 101 Dalmatiens. Parallèlement, il produit des films en images réelles comme L’Ile au Trésor ou Mary Poppins (dont provient sa chanson favorite : Feed The Birds). Walt comprend très vite le potentiel de la télévision. Il lance le Mickey Mouse Club et présente lui-même une émission hebdomadaire : Disneyland (qui deviendra ensuite Le Monde Merveilleux de Disney), dans laquelle il monte des extraits de ses productions précédentes. Il produit aussi la série Zorro, toujours diffusée sur nos écrans. En 1955, Disney ouvre le premier parc à thème : Disneyland (Californie), symbole de l’empire Disney qui touche alors tous les domaines. Il est amusant de constater que 14 des 17 longs métrages produits par Disney pendant sa vie sont issus de contes et légendes européennes. Walt Disney détient le record d’Oscar obtenus avec 22 prix dans les différentes catégories et 3 Oscars d’honneur, pour 59 nominations au total. De 1932 à 1965, il reçoit au moins un Oscar par an, excepté en 1933 et en 1941. Le 15 décembre 1966, à tout juste 65 ans, Walt Disney meurt d’une crise cardiaque, complication de son cancer du poumon, à Los Angeles. Le Livre de la Jungle (1967) est le dernier film sur lequel il a travaillé. Son frère Roy poursuit les projets de Walt, et prouve que les studios peuvent continuer après sa mort...

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